En estas paginas puedes encontrar informacion y curiosidades sobre temas de fotografia y autores mas reelevantes.
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10 de diciembre de 2008
Sensibilidad Fotográfica
La sensibilidad es la velocidad de reacción de la emulsión de la película, en las cámaras antiguas de carrete, a la luz. Esta sensibilidad supone que una película “de baja sensibilidad” o una “película lenta” necesita más tiempo de exposición y una película rápida, pues menos. Pero vayamos por partes.
Antes había dos tipos de escala de sensibilidad de la luz: los ASA (American Standard Asociation) y los DIN (Deutsche Industrie Normen). Lo de siempre: americanos versus alemanes.
Antes había dos tipos de escala de sensibilidad de la luz: los ASA (American Standard Asociation) y los DIN (Deutsche Industrie Normen). Lo de siempre: americanos versus alemanes.
¿Qué son los ISO?
Cuando ibas a la tienda antes te solían dar un carrete de iso 100, si no decías lo contrario. ¿Y para qué es el iso 100? es una película de sensibilidad media. Un 100 Iso es más o menos un todo terreno.
Las películas antiguamente eran de sensibilidad baja, media o alta. Por debajo de 100 la película es lenta y por encima es rápida, muy rápida o super rápida. Esta rapidez , como ya hemos dicho, nos habla de cómo reacciona la película (las antiguas claro) en relación con la luz. Y ahora con las cámaras digitales funciona más o menos igual, por no extenderme demasiado.
En una cámara digital es posible cambiar la sensibilidad del CCD antes de tomar cada foto y mientras que en las cámaras analógicas la sensibilidad de la emulsión dependía esencialmente del tamaño de las partículas fotosensibles -haluros de plata- y de su dispersión, en los sistemas electrónicos son muy diversos los factores que influyen en la obtención de las densidades finales y casi siempre se puden manipular por ordenador
En una cámara digital es posible cambiar la sensibilidad del CCD antes de tomar cada foto y mientras que en las cámaras analógicas la sensibilidad de la emulsión dependía esencialmente del tamaño de las partículas fotosensibles -haluros de plata- y de su dispersión, en los sistemas electrónicos son muy diversos los factores que influyen en la obtención de las densidades finales y casi siempre se puden manipular por ordenador
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Diferencias revelado b/n y en color
El proceso del revelado del negativo en color es más costoso que el proceso del negativo en blanco y negro, ya que en este se precisan unos filtros de color para controlar el equilibrio cromático de cada negativo, para obtener mejores resultados.El negativo de color debe exponerse a dos métodos de color, el método substractivo y el filtraje aditivo.
Revelado del negativo en color
Este proceso se debe de realizar con sumo cuidado debido a la alta precisión tanto en temperatura como en tiempo exposición. En lo que se refiere a los utensilios de laboratorio, incluiríamos aparte de los definidos en el de blanco y negro; Filtros para la ampliadora, cabezal de color, analizadores de color, portafiltros, tambor de procesado.
Este proceso se debe de realizar con sumo cuidado debido a la alta precisión tanto en temperatura como en tiempo exposición. En lo que se refiere a los utensilios de laboratorio, incluiríamos aparte de los definidos en el de blanco y negro; Filtros para la ampliadora, cabezal de color, analizadores de color, portafiltros, tambor de procesado.
El proceso de revelado del negativo en color dependerá también de la película que se haya utilizado.Deberemos mantener la temperatura de los compuestos químicos, ya que estos no deben sobrepasar los 38ºC, temperatura, que en verano resulta difícil de estabilizar.Los pasos a seguir para el tratamiento del negativo en color:Primero aplicaremos el revelador en color, este crea la imagen latente de cada estrato.En segundo lugar, aplicaremos el blanqueo para que elimine las partículas metálicas.Un primer bañoAplicación del fijadoLavado.Proceso de estabilización se encarga de reducir la decoloración de los tonos de la imagen.Secado.
Foto de la luna
En enero de 1939, Louis Daguerre obtuvo la primera fotografía de la Luna, convirtiéndose además en pionero de la fotografía moderna. Daguerre se hizo famoso como pintor decorador e ilustrador, y también por su invención de los dioramas; éstos daban la impresión de movimiento dependiendo de cómo incidiera en ellos la luz. Para la confección de sus imágenes empleaba la llamada cámara oscura. Logró fijar las imágenes obtenidas mediante dicha cámara, inventada por Joseph Nicéphore Niepze, sobre placas de cobre revestidas con yoduro de plata. A partir del año 1835 Daguerre, que trabajaba en colaboración con Niepze, empezó a emplear vapor de mercurio para revelar las imágenes registradas sobre las placas. Unos años más tarde logró también fijarlas. Sin embargo, los descubrimientos hechos por Niepze se atribuyeron en gran parte de Daguerre, hasta el punto que las imágenes registradas gracias a este proceso se conocían con el nombre de daguerrotipos. Estas imágenes fotográficas no permitían la obtención de copias. En cuanto a la fotografia mas antigua del mundo, se tomó en 1826. Fue el frances Joseph Nicephore quien logró tomar con una cámara obscura el paisaje que se veía desde la ventana de su buhardilla. Utilizó para ello una lámina pulida de peltre (aleación de zinc, plomo y estaño) sobre la que aplicó una capa de betún de Judea mezclado con petróleo. El betún endurece y se blanquea al recibir la luz.
¿Qué es Kitsch?
La palabra kitsch se origina del término alemán yidis etwas verkitschen. Define al arte que es considerado como una copia inferior de un estilo existente. También se utiliza el término kitsch en un sentido más libre para referirse a cualquier arte que es pretencioso, pasado de moda o de muy mal gusto.
En México la palabra tiene un uso limitado al mundo del arte. Su uso generalmente implica definir una obra de arte o un suceso que tiene características vulgares, de mal gusto o popular. La palabra probablemente pueda ser comparada con la palabra naco, pero a diferencia de ésta, lo que se define como kitsch, aunque de mal gusto, adquiere una valoración artística o por lo menos positiva.
En México la palabra tiene un uso limitado al mundo del arte. Su uso generalmente implica definir una obra de arte o un suceso que tiene características vulgares, de mal gusto o popular. La palabra probablemente pueda ser comparada con la palabra naco, pero a diferencia de ésta, lo que se define como kitsch, aunque de mal gusto, adquiere una valoración artística o por lo menos positiva.
Fotografía Estenopeica
Se conoce como fotografía estenopeica a la técnica mediante la cual se obtienen fotografías y negativos sin prácticamente nada de equipo. Se realiza con una cámara estenopeica, una de las cámaras fotográficas más sencillas, dotada de película fotográfica y una lámina opaca con un agujero del grosor de una aguja. A este agujero se le llama estenopo y da nombre a la técnica. En inglés se lo denomina pinhole (agujero de aguja).
Es una de las primeras técnicas utilizadas en el ámbito de la fotografía. Sin embargo, aún es practicada esporádicamente tanto por fotógrafos profesionales como por aficionados a la fotografía y a la fotografía artística. Es utilizada sobre todo en esta última por las imágenes tan definidas y únicas que se obtienen mediante ella.
Es una de las primeras técnicas utilizadas en el ámbito de la fotografía. Sin embargo, aún es practicada esporádicamente tanto por fotógrafos profesionales como por aficionados a la fotografía y a la fotografía artística. Es utilizada sobre todo en esta última por las imágenes tan definidas y únicas que se obtienen mediante ella.
La característica principal de las imágenes obtenidas mediante este método es la profundidad de campo infinita. Esto significa que en la fotografía resultante se ve claramente cualquier punto sin necesidad de ningún encuadre especial, como tendría que aplicarse al usar cualquier lente de equipo profesional.
El proceso de obtención de imágenes perfectas es tecnificado con la introducción de fórmulas para distancias focales entre el estenopo y el diámetro del estenopo, convirtiéndola en un género único de carácter rústico e independiente dentro de la fotografía, aunque no muy conocido ni totalmente aceptado por la manera tan simple por la cual se obtienen las imágenes.
El proceso de obtención de imágenes perfectas es tecnificado con la introducción de fórmulas para distancias focales entre el estenopo y el diámetro del estenopo, convirtiéndola en un género único de carácter rústico e independiente dentro de la fotografía, aunque no muy conocido ni totalmente aceptado por la manera tan simple por la cual se obtienen las imágenes.
Próxemica
El término proxémica fue introducido por el antropólogo Edward T. Hall en 1963 para describir las distancias medibles entre la gente mientras estas interaccionan entre sí. El término proxemia se refiere al empleo y a la percepción que el ser humano hace de su espacio físico, de su intimidad personal; de cómo y con quién lo utiliza.
Hall diferenció tres espacios en el sentido del territorio propio: tipos de TERRITORIOS o ESPACIOS
Espacio fijo: es el marcado por estructuras inamovibles, como las barreras de los países.
Espacio semifijo: es el tipo de espacio que posee obstáculos posibles de mover o que se mueven.
Espacio personal o informal: espacio alrededor del cuerpo. Varía en función de las culturas, ya que cada cultura estructura su espacio físico. Este espacio puede ser invadido. Si se utiliza un territorio ajeno con falta de respeto (mirar fijamente a alguien u ocupar dos asientos con bolsas cuando hay gente de pie) se da una violación del terreno.
Por otro lado, Hall notaba que la distancia social entre la gente, está generalmente correlacionada con la distancia física y describía cuatro diferentes tipos de distancia. Estas distancias serían subcategorías del espacio personal o informal.
Distancia íntima: es la distancia que se da entre 15 y 45 centímetros (6 a 18 pulgadas). Es la más guardada por cada persona. Para que se de esta cercanía, las personas tienen que tener mucha confianza y en algunos casos estarán emocionalmente unidos, pues la comunicación se realizará a través de la mirada, el tacto y el sonido. Es la zona de los amigos, parejas, familia etc. Dentro de esta zona se encuentra la zona inferior a unos 15 centímetros del cuerpo, es la llamada zona íntima privada.
Distancia personal: se da entre 46 y 120 centímetros (1,5 - 4 pies). Esta distancia se dan en la oficina, reuniones, asambleas, fiestas, conversaciones amistosas o de trabajo. Si estiramos el brazo, llegamos a tocar la persona con la que estamos manteniendo la conversación.
Distancia social: se da entre 120 y 360 centímetros (4 - 12 pies). Es la distancia que nos separa de los extraños. Se utiliza con las personas con quienes no tenemos ninguna relación amistosa, la gente que no se conoce bien. Por ejemplo: la dependienta de un comercio, el albañil, los proveedores, los nuevos empleados, etc.
Distancia pública: se da a más de 360 centímetros (12 pies) y no tiene límite. Es la distancia idónea para dirigirse a un grupo de personas. El tono de voz es alto y esta distancia es la que se utiliza en las conferencias, coloquios o charlas.
Edward Hall hacía notar que diferentes culturas mantienen diferentes estándares de espacio interpersonal. En las culturas latinas, por ejemplo, esas distancias relativas son más pequeñas, y la gente tiende a estar más cómoda cerca de los demás. En las culturas nórdicas es lo contrario. Darse cuenta y reconocer estas diferencias culturales mejora el entendimiento intercultural, y ayuda a eliminar la incomodidad que la gente puede sentir si siente que la distancia interpersonal es muy grande o muy pequeña.
Las distancias personales cómodas también dependen de la situación social, el género y la preferencia individual.
Un término relacionado es propincuidad, uno de los factores definidos por Jeremy Bentham para medir la cantidad de placer en un método conocido como felicific calculus.
Hall diferenció tres espacios en el sentido del territorio propio: tipos de TERRITORIOS o ESPACIOS
Espacio fijo: es el marcado por estructuras inamovibles, como las barreras de los países.
Espacio semifijo: es el tipo de espacio que posee obstáculos posibles de mover o que se mueven.
Espacio personal o informal: espacio alrededor del cuerpo. Varía en función de las culturas, ya que cada cultura estructura su espacio físico. Este espacio puede ser invadido. Si se utiliza un territorio ajeno con falta de respeto (mirar fijamente a alguien u ocupar dos asientos con bolsas cuando hay gente de pie) se da una violación del terreno.
Por otro lado, Hall notaba que la distancia social entre la gente, está generalmente correlacionada con la distancia física y describía cuatro diferentes tipos de distancia. Estas distancias serían subcategorías del espacio personal o informal.
Distancia íntima: es la distancia que se da entre 15 y 45 centímetros (6 a 18 pulgadas). Es la más guardada por cada persona. Para que se de esta cercanía, las personas tienen que tener mucha confianza y en algunos casos estarán emocionalmente unidos, pues la comunicación se realizará a través de la mirada, el tacto y el sonido. Es la zona de los amigos, parejas, familia etc. Dentro de esta zona se encuentra la zona inferior a unos 15 centímetros del cuerpo, es la llamada zona íntima privada.
Distancia personal: se da entre 46 y 120 centímetros (1,5 - 4 pies). Esta distancia se dan en la oficina, reuniones, asambleas, fiestas, conversaciones amistosas o de trabajo. Si estiramos el brazo, llegamos a tocar la persona con la que estamos manteniendo la conversación.
Distancia social: se da entre 120 y 360 centímetros (4 - 12 pies). Es la distancia que nos separa de los extraños. Se utiliza con las personas con quienes no tenemos ninguna relación amistosa, la gente que no se conoce bien. Por ejemplo: la dependienta de un comercio, el albañil, los proveedores, los nuevos empleados, etc.
Distancia pública: se da a más de 360 centímetros (12 pies) y no tiene límite. Es la distancia idónea para dirigirse a un grupo de personas. El tono de voz es alto y esta distancia es la que se utiliza en las conferencias, coloquios o charlas.
Edward Hall hacía notar que diferentes culturas mantienen diferentes estándares de espacio interpersonal. En las culturas latinas, por ejemplo, esas distancias relativas son más pequeñas, y la gente tiende a estar más cómoda cerca de los demás. En las culturas nórdicas es lo contrario. Darse cuenta y reconocer estas diferencias culturales mejora el entendimiento intercultural, y ayuda a eliminar la incomodidad que la gente puede sentir si siente que la distancia interpersonal es muy grande o muy pequeña.
Las distancias personales cómodas también dependen de la situación social, el género y la preferencia individual.
Un término relacionado es propincuidad, uno de los factores definidos por Jeremy Bentham para medir la cantidad de placer en un método conocido como felicific calculus.
En la foografía lo podemos entender como esa relacion existente entre el fotografo y su objetivo creando una conjuncion con la utilizaión de algunos factores como la luz, profundidad de campo.
Pelicula el cerebro
En clase tuvimos la oportunidad de observar con detenimiento las funciones del cerebro y como este trabaja esto en una proyeccion de una pelicula. A continuación se mencionan algunos de los puntos que me parecieron más importantes.
El cerebro procesa la información sensorial, controla y coordina el movimiento, el comportamiento y puede llegar a dar prioridad a las funciones corporales homeostáticas, como los latidos del corazón, la presión sanguínea, el balance de fluidos y la temperatura corporal. No obstante, el encargado de llevar el proceso automático es el bulbo raquídeo. El cerebro es responsable de la cognición, las emociones, la memoria y el aprendizaje.
La capacidad de procesamiento y almacenamiento de un cerebro humano estándar supera aun a las mejores computadores hoy en día [cita requerida]. Algunos científicos tienen la creencia que un cerebro que realice una mayor cantidad de sinapsis puede desarrollar mayor inteligencia que uno con menor desarrollo neuronal.
La capacidad de procesamiento y almacenamiento de un cerebro humano estándar supera aun a las mejores computadores hoy en día [cita requerida]. Algunos científicos tienen la creencia que un cerebro que realice una mayor cantidad de sinapsis puede desarrollar mayor inteligencia que uno con menor desarrollo neuronal.
Está compuesto por unos 10 a 15 mil millones de neuronas, cada una de las cuales se interconecta con otras por un número de sinapsis que va de varios centenares a más de 20.000, formando una red estructural que es unas 100 veces más compleja que la red telefónica mundial.
Toda experiencia sensorial, consciente o inconsciente, queda registrada en el aparato neuronal y podrá ser evocada posteriormente, si se dan ciertas condiciones propicias; y algo parecido sucede con nuestro conocimiento hereditario inconsciente que constituye una base de potencialidad aun mucho mayor.
Toda experiencia sensorial, consciente o inconsciente, queda registrada en el aparato neuronal y podrá ser evocada posteriormente, si se dan ciertas condiciones propicias; y algo parecido sucede con nuestro conocimiento hereditario inconsciente que constituye una base de potencialidad aun mucho mayor.
Fotos Impactantes
The tank man Es una de las fotos que vimos en clase me impacto la valentía que se logra captar tal vez y el angulo usado de un poco más de sentido y logre captar la atención del espectador de esta fotografía, el manejo de la luz es un factor muy importante y si nos fijamos bien lo que esta iluminado logra una distinción mejor de lo que se quiere transmitir.
Esta es otra de las fotos que vimos en clase donde se logra impactar los sentimientos atravez de la expresión que logra la fotografía, la profundidad de campo logra darle un sentido más amplio al captar el cuervo y el paisaje.
Etapas de la génesis de la imagen
Para Moles, la creación de una imagen se conforma de 14 posibles etapas:
1. La primera imagen: el contorno de una forma real, perfil de un rostro o un animal.
2. El surgimiento de detalles en el interior del contorno: los ojos y las orejas por ejemplo.
3. El surgimiento de los contornos sobre un fondo, él mismo dibujado. Jerarquía de lo principal.
4. Los colores, primer elemento de un realismo sensializante.
5. La rotación de los perfiles (cambiar, a través del pensamiento, de punto de vista) creencia en la coherencia y la unidad de la forma representada de frente, de tres cuartos o de perfil.
6. La escultura, imagen de tres dimensiones.
7. La yuxtaposición significativa de elementos visuales tomados del desarrollo de una acción.
8. Las sombras y el modelado, el sombreado: surgimiento del relieve.
9. La perspectiva, algoritmo geométrico del todo desde un punto de vista.
10. La fotografía: fijar el “icono” extraído del objeto, sobre la base de una técnica.
11. La estereoscopia, visión de tres dimensiones a través de artificios tecnológicos.
12. El holograma, confrontación posible entre el mundo de las imágenes y el mundo real.
13. La imagen móvil (en cine), cristalización del movimiento visual.
14. La síntesis total (la imagen de la computadora) creando, a través de la visión, seres que no existen pero podrían existir.
1. La primera imagen: el contorno de una forma real, perfil de un rostro o un animal.
2. El surgimiento de detalles en el interior del contorno: los ojos y las orejas por ejemplo.
3. El surgimiento de los contornos sobre un fondo, él mismo dibujado. Jerarquía de lo principal.
4. Los colores, primer elemento de un realismo sensializante.
5. La rotación de los perfiles (cambiar, a través del pensamiento, de punto de vista) creencia en la coherencia y la unidad de la forma representada de frente, de tres cuartos o de perfil.
6. La escultura, imagen de tres dimensiones.
7. La yuxtaposición significativa de elementos visuales tomados del desarrollo de una acción.
8. Las sombras y el modelado, el sombreado: surgimiento del relieve.
9. La perspectiva, algoritmo geométrico del todo desde un punto de vista.
10. La fotografía: fijar el “icono” extraído del objeto, sobre la base de una técnica.
11. La estereoscopia, visión de tres dimensiones a través de artificios tecnológicos.
12. El holograma, confrontación posible entre el mundo de las imágenes y el mundo real.
13. La imagen móvil (en cine), cristalización del movimiento visual.
14. La síntesis total (la imagen de la computadora) creando, a través de la visión, seres que no existen pero podrían existir.
La importancia de la fotografia
En este punto quisiera expresarme con algunas palabras que quedaron grabadas durante este curso de fotografía que es la importancia de la fotografía:
- Representa la historia del hombre ante el mundo
- Es el resguarfo de la experiencia vivida
- El mundo se convierte en pórtatil e ilustrado
- Poderoso vehículo de comunicación (tránsmite información y sentimientos)
- Método de conocimiento
- Una superficie mágica.
- Instrumento de poder pólitico (control).
- Asertación.
- Verosimil.
- Memoria.
- Arte.
- Documento.
- Registro (memoria, pasado, historia,etc).
- Arte, creación y documento.
- La intención del sujeto, intención que tuvo o no al hacer fotografía.
- Imagen de un relij-objetivo
- Una superficie mágica.
- Instrumento de poder pólitico (control).
- Asertación.
- Verosimil.
- Memoria.
- Arte.
- Documento.
- Registro (memoria, pasado, historia,etc).
- Arte, creación y documento.
- La intención del sujeto, intención que tuvo o no al hacer fotografía.
- Imagen de un relij-objetivo
Se presentan los puntos considerados más importantes y reelevantes que dan una idea muy buena de la importancia de la fotografía.
Principio del doble y la mitad
El diafragma es una parte del objetivo que limita el rayo de luz que penetra. Funciona como el iris del ojo humano, abriéndose o cerrándose para permitir que entre más o menos luz.
Lo abierto que está el objetivo es lo que se llama apertura de diafragma.
En las cámaras manuales controlamos el diafragma mediante una rueda del objetivo. En las cámaras automáticas se puede regular mediante botones.
Los objetivos tienen una apertura máxima. Si son objetivos con distancia focal fija la apertura máxima es fija, para zooms la apertura máxima va cambiando según varía la distancia focal.
Para conseguir el equilibrio de luz en cada exposición se combina la apertura de diafragma con el tiempo de exposición. Es decir, que si se aumenta la apertura de diafragma (más luminosidad) hay que reducir el tiempo de exposición (tiempo que la película está expuesta a la luz) o si no la fotografía sería muy clara (sobreexpuesta). Igualmente, para captar la luz que hay en la escena, si se reduce la apertura de diafragma (menos luminosidad) hay que alargar la exposición, o si no quedaría una imagen oscura (subexpuesta).
La apertura de diafragma se mide en números f. El menor de los números indica la apertura máxima. La relación entre los números f, es que cada vez que se pasa de un número a uno menor, la luminosidad se reduce a la mitad, de modo que f11, por ejemplo, tiene el doble de luminosidad que f16 y la mitad que f8.
Lo abierto que está el objetivo es lo que se llama apertura de diafragma.
En las cámaras manuales controlamos el diafragma mediante una rueda del objetivo. En las cámaras automáticas se puede regular mediante botones.
Los objetivos tienen una apertura máxima. Si son objetivos con distancia focal fija la apertura máxima es fija, para zooms la apertura máxima va cambiando según varía la distancia focal.
Para conseguir el equilibrio de luz en cada exposición se combina la apertura de diafragma con el tiempo de exposición. Es decir, que si se aumenta la apertura de diafragma (más luminosidad) hay que reducir el tiempo de exposición (tiempo que la película está expuesta a la luz) o si no la fotografía sería muy clara (sobreexpuesta). Igualmente, para captar la luz que hay en la escena, si se reduce la apertura de diafragma (menos luminosidad) hay que alargar la exposición, o si no quedaría una imagen oscura (subexpuesta).
La apertura de diafragma se mide en números f. El menor de los números indica la apertura máxima. La relación entre los números f, es que cada vez que se pasa de un número a uno menor, la luminosidad se reduce a la mitad, de modo que f11, por ejemplo, tiene el doble de luminosidad que f16 y la mitad que f8.
9 de diciembre de 2008
FOTOSEPTIEMBRE 2008
Galerias de Fotoseptiembre 2008
Una exposición completamente buena donde disfrutamos de fotografías con muy buena calidad y lo que llamo mi atención es que eran sencillaz algunas, pero te llevaban a ese lugar, es aqui cuando podemos ver la importancia de la fotografia
Esta foto me gusto por la silueta que logra captar el autor y el enfoque que da a esta es muy buena e incluso la profundidad y la luz.
Me agrada los tonos obscuros que maneja y como la luz en el fondo resalta la figura del personaje.
Lourdes Grobet
Tanto por su formación académica como por el sentido crítico de la época, los orígenes de la obra de Grobet están íntimamente relacionados con la pintura contemporánea. Fue alumna de los artistas Mathias Goeritz, Gilberto Aceves Navarro y Katy Horna, entre otros. "Los maestros que más influyeron en mi formación -dice- fueron Mathias, Gilberto y El Santo, el Enmascarado de Plata".A finales de los sesenta es ya amplio el descrédito del objeto artístico atrapado en el mercado, en las visiones individualistas y en la convencionalidad. Así lo vive Lourdes Grobet en el París del 68. Frente a tanta tradición momificada la crítica no se hace esperar: para ella la pintura era incapaz ante las exigencias comunicativas de la época. Esta ruptura la conduce a la fotografía como un medio más dinámico, con referencia a la vida colectiva y en el que observa no sólo un registro de las cosas sino una intervención en los hechos.
En México se agudizan las contradicciones sociales de un modelo económico que pretendió la industrialización pero dejó inconclusa la reforma agraria. Del campo en proceso de empobrecimiento migra la población a las grandes ciudades, particularmente a la ciudad de México. La industrialización acaba siendo sólo complementaria del aparato industrial de las metrópolis. Las luchas sociales de esta década buscan mejoría laboral y apertura de espacios para la participación democrática. Los diferentes regímenes herederos de la Revolución Mexicana y su partido de Estado se niegan a reconocer, después del cardenismo, su deterioro artrítico, sobre todo en lo que se refiere a las condiciones sociales y la vida política. Es la constante contradicción entre los avances logrados por algunas instituciones posrevolucionarias en materia social y estructural, y la gran limitación de esos avances producto de los sometimientos esenciales de unas relaciones de explotación y miseria.
Robert Capa
(Budapest, Hungría, 22 de octubre de 1913 -Thai Binh Vietnam, 25 de mayo de 1954). Posiblemente, el más famoso corresponsal gráfico de guerra del siglo XX. Su verdadero nombre era Ernö o Ernest Andrei Friedmann
Robert Capa, nacido en la ciudad de Budapest, en el seno de una familia judía con buen pasar económico. Su madre una diseñadora de modas y su padre un pensador intelectual con influencias aristocráticas. En Hungría, en esos tiempos, era costumbre pertenecer a un círculo, ya fuera artístico o político, y Endré, que no fue una excepción, entró a dichos círculos, donde era tradición poner sobrenombres. Así fue como recibió el apodo de Bandi.
Condenado en su adolescencia a vivir vagando por la ciudad por la instauración del taller de sus padres en la casa, después de que éstos perdieran el local a raíz de la depresión económica de 1929. En estas andanzas conocería a una de las mujeres que más influyó en su vida, y se puede decir que, si no hubiera sido por ella no habría llegado a ser un gran fotógrafo. El nombre de esa mujer era Eva Besnyo, quien desde muy joven tuvo un gran interés por la fotografía. Eva era una de esas personas a las que le parecía más productivo tomar fotografías que hacer sus deberes escolares. En su juventud ya tomaba fotografías con su cámara Kodak Brownie. Ella y su especial gusto por este arte motivaron el primer contacto de Endré con la fotografía.
Condenado en su adolescencia a vivir vagando por la ciudad por la instauración del taller de sus padres en la casa, después de que éstos perdieran el local a raíz de la depresión económica de 1929. En estas andanzas conocería a una de las mujeres que más influyó en su vida, y se puede decir que, si no hubiera sido por ella no habría llegado a ser un gran fotógrafo. El nombre de esa mujer era Eva Besnyo, quien desde muy joven tuvo un gran interés por la fotografía. Eva era una de esas personas a las que le parecía más productivo tomar fotografías que hacer sus deberes escolares. En su juventud ya tomaba fotografías con su cámara Kodak Brownie. Ella y su especial gusto por este arte motivaron el primer contacto de Endré con la fotografía.
Durante la retirada del ejército republicano en la batalla de Brunete, en julio de 1937 Gerda Taro muere al frenar el coche en cuyo estribo viajaba, caer y ser arrollada por el tanque que el conductor intentó evitar. En este tiempo, Capa cubrió también diferentes episodios de la invasión japonesa de China, ya en los prolegómenos de la II Guerra Mundial.
Durante la II Guerra Mundial, está presente en los principales escenarios bélicos de Europa, así desde 1941 a 1945 viaja por Italia, Londres y Norte de África.Del desembarco aliado en Normandía, el 6 de junio de 1944, el famoso día-D, son clásicas sus fotografías tomadas, junto a los soldados que desembarcaban en la propia playa denominada Omaha en la terminología de la operación. Plasmó asimismo en imágenes la liberación de París. Huston Hu Riley fue el fotógrafo que retrató ese momento.[1]Con motivo de su trabajo durante este conflicto, fue galardonado por el general Eisenhower con la Medalla de la Libertad.
En 1947 creó, junto con los fotógrafos Henri Cartier-Bresson, Rodger, Vandiver y David Seymour, la agencia Magnum Photos, donde Capa realizó un gran trabajo fotográfico, no solo en escenarios de guerra sino también en el mundo artístico, en el que tenía grandes amistades, entre las que se incluían Pablo Picasso, Ernest Hemingway y John Steinbeck.
En 1954, encontrándose en Japón visitando a unos amigos de antes de la guerra, fue llamado por la revista Life para reemplazar a otro fotógrafo en Vietnam, durante la Primera Guerra de Indochina. En la madrugada del 25 de mayo, mientras acompañaba a una expedición del ejército francés por una espesa zona boscosa, pisó inadvertidamente una mina y murió, siendo el primer corresponsal americano muerto en esta guerra y terminando así una azarosa vida profesional, guiada por una frase que popularizó: Si tus fotos no son lo suficientemente buenas es que no te has acercado lo suficiente.
Durante la II Guerra Mundial, está presente en los principales escenarios bélicos de Europa, así desde 1941 a 1945 viaja por Italia, Londres y Norte de África.Del desembarco aliado en Normandía, el 6 de junio de 1944, el famoso día-D, son clásicas sus fotografías tomadas, junto a los soldados que desembarcaban en la propia playa denominada Omaha en la terminología de la operación. Plasmó asimismo en imágenes la liberación de París. Huston Hu Riley fue el fotógrafo que retrató ese momento.[1]Con motivo de su trabajo durante este conflicto, fue galardonado por el general Eisenhower con la Medalla de la Libertad.
En 1947 creó, junto con los fotógrafos Henri Cartier-Bresson, Rodger, Vandiver y David Seymour, la agencia Magnum Photos, donde Capa realizó un gran trabajo fotográfico, no solo en escenarios de guerra sino también en el mundo artístico, en el que tenía grandes amistades, entre las que se incluían Pablo Picasso, Ernest Hemingway y John Steinbeck.
En 1954, encontrándose en Japón visitando a unos amigos de antes de la guerra, fue llamado por la revista Life para reemplazar a otro fotógrafo en Vietnam, durante la Primera Guerra de Indochina. En la madrugada del 25 de mayo, mientras acompañaba a una expedición del ejército francés por una espesa zona boscosa, pisó inadvertidamente una mina y murió, siendo el primer corresponsal americano muerto en esta guerra y terminando así una azarosa vida profesional, guiada por una frase que popularizó: Si tus fotos no son lo suficientemente buenas es que no te has acercado lo suficiente.
Lewis Carroll
En 1856, Dodgson descubrió una nueva forma de arte, la fotografía, primero por influencia de su tío Skeffington Lutwidge, y más tarde de su amigo de Oxford Reginald Southey y del pionero del arte fotográfico Oscar Gustav Rejlander.
Dodgson alcanzó pronto la excelencia en este arte, que convirtió en expresión de su personal filosofía interior: la creencia en la divinidad de lo que él llamaba belleza, que para él significaba un estado de perfección moral, estética o física. A través de la fotografía, Carroll trató de combinar los ideales de libertad y belleza con la inocencia edénica, donde el cuerpo humano y el contacto humano podían ser disfrutados sin sentimiento de culpa. En su mediana edad, esta visión se transformó en la persecución de la belleza como un estado de gracia, un medio para recuperar la inocencia perdida. Esto, junto con su pasión por el teatro, que le acompañó durante toda su vida, habría de traerle problemas con la moral victoriana, e incluso con los principios anglicanos de su propia familia. Como anota su principal biógrafo, Morton Cohen: "Rechazó rotundamente el principio calvinista del pecado original y lo sustituyó por la noción de divinidad innata".
Fotografía de Alice Liddell por Lewis Carroll. (1858)
La obra definitiva acerca de su actividad como fotógrafo (Lewis Carroll, Photographer, de Roger Taylor (2002)), documenta exhaustivamente cada una de las fotografías de Lewis Carroll que se han conservado. Taylor calcula que algo más de la mitad de su obra conservada está dedicada a retratar a niñas. Sin embargo, debe ser tenido en cuenta que menos de un tercio de la totalidad de su obra se ha conservado. La niña que más veces le sirvió de modelo fue Alexandra Kitchin ("Xie"), hija del deán de la catedral de Winchester, a la que fotografió unas cincuenta veces desde que tenía 4 años hasta que cumplió 16. En 1880 intentó fotografiarla en traje de baño, pero no se le permitió. Se supone que Dodgson destruyó o devolvió las fotografías de desnudos a las familias de las niñas que fotografiaba. Se creía que se habían perdido, pero se han encontrado seis desnudos, de los cuales cuatro han sido publicados y dos se conocen apenas. Las fotografías y esbozos de desnudos que Dodgson realizaba alentaron la suposición de que tenía tendencias pedófilas.[3]
La fotografía le fue también útil como entrada en círculos sociales elevados. Cuando logró tener un estudio propio, hizo notables retratos de personajes relevantes, como John Everett Millais, Ellen Terry, Dante Gabriel Rossetti, Julia Margaret Cameron y Alfred Tennyson. Cultivó también el paisaje y el estudio anatómico.
Dodgson abandonó repentinamente la fotografía en 1880. Después de 24 años, dominaba completamente el medio, disponía de su propio estudio en el barrio de Tom Quad, y había creado unas 3.000 imágenes. Menos de 1.000 han sobrevivido al tiempo y a la destrucción intencionada. Dodgson registraba cuidadosamente las circunstancias que rodeaban la creación de cada una de sus fotografías, pero su registro fue destruido.
Su obra fue reconocida póstumamente, junto a la de Julia Margaret Cameron, gracias a su reivindicación por parte de los fotógrafos del pictorialismo, así como al apoyo del Círculo de Bloomsbury, en el que se hallaba Virginia Woolf. En la actualidad, es considerado uno de los fotógrafos victorianos más importantes, y, con seguridad, el más influyente en la fotografía artística contemporánea
Dodgson alcanzó pronto la excelencia en este arte, que convirtió en expresión de su personal filosofía interior: la creencia en la divinidad de lo que él llamaba belleza, que para él significaba un estado de perfección moral, estética o física. A través de la fotografía, Carroll trató de combinar los ideales de libertad y belleza con la inocencia edénica, donde el cuerpo humano y el contacto humano podían ser disfrutados sin sentimiento de culpa. En su mediana edad, esta visión se transformó en la persecución de la belleza como un estado de gracia, un medio para recuperar la inocencia perdida. Esto, junto con su pasión por el teatro, que le acompañó durante toda su vida, habría de traerle problemas con la moral victoriana, e incluso con los principios anglicanos de su propia familia. Como anota su principal biógrafo, Morton Cohen: "Rechazó rotundamente el principio calvinista del pecado original y lo sustituyó por la noción de divinidad innata".
Fotografía de Alice Liddell por Lewis Carroll. (1858)
La obra definitiva acerca de su actividad como fotógrafo (Lewis Carroll, Photographer, de Roger Taylor (2002)), documenta exhaustivamente cada una de las fotografías de Lewis Carroll que se han conservado. Taylor calcula que algo más de la mitad de su obra conservada está dedicada a retratar a niñas. Sin embargo, debe ser tenido en cuenta que menos de un tercio de la totalidad de su obra se ha conservado. La niña que más veces le sirvió de modelo fue Alexandra Kitchin ("Xie"), hija del deán de la catedral de Winchester, a la que fotografió unas cincuenta veces desde que tenía 4 años hasta que cumplió 16. En 1880 intentó fotografiarla en traje de baño, pero no se le permitió. Se supone que Dodgson destruyó o devolvió las fotografías de desnudos a las familias de las niñas que fotografiaba. Se creía que se habían perdido, pero se han encontrado seis desnudos, de los cuales cuatro han sido publicados y dos se conocen apenas. Las fotografías y esbozos de desnudos que Dodgson realizaba alentaron la suposición de que tenía tendencias pedófilas.[3]
La fotografía le fue también útil como entrada en círculos sociales elevados. Cuando logró tener un estudio propio, hizo notables retratos de personajes relevantes, como John Everett Millais, Ellen Terry, Dante Gabriel Rossetti, Julia Margaret Cameron y Alfred Tennyson. Cultivó también el paisaje y el estudio anatómico.
Dodgson abandonó repentinamente la fotografía en 1880. Después de 24 años, dominaba completamente el medio, disponía de su propio estudio en el barrio de Tom Quad, y había creado unas 3.000 imágenes. Menos de 1.000 han sobrevivido al tiempo y a la destrucción intencionada. Dodgson registraba cuidadosamente las circunstancias que rodeaban la creación de cada una de sus fotografías, pero su registro fue destruido.
Su obra fue reconocida póstumamente, junto a la de Julia Margaret Cameron, gracias a su reivindicación por parte de los fotógrafos del pictorialismo, así como al apoyo del Círculo de Bloomsbury, en el que se hallaba Virginia Woolf. En la actualidad, es considerado uno de los fotógrafos victorianos más importantes, y, con seguridad, el más influyente en la fotografía artística contemporánea
Vida Yovanovich
Ha participado en conferencias, curado varias exposiciones fotográficas, y fue miembro de la junta directiva del consejo mexicano de fotografía. En 1994, a través de Fondo Nacional para la cultura y las artes ella fue artista en residencia en el nexus contemporary art center en Atlanta, EE.UU. En 1997 fue seleccionada para la presentación de su trabajo en la conferencia anual de s.p.e. en Dallas y en ese mismo año, fue invitada a participar en la Bienal de La Habana. Sus fotografías se han exhibido desde 1983 en más de 90 exposiciones colectivas por todo el mundo. Ella ha tenido exposiciones individuales en Cuba, Austria, Serbia, Francia, Estados Unidos, España, Sudáfrica y México. Ella ha sido profesora particular del FONCA, en su programa para fotógrafos jóvenes y miembro de su comité consultivo en fotografía. Su libro, “Cárcel de los Sueños”, con introducción escrita por Elena Poniatowska, fue publicado en 1997. En el año 2000, fue nombrada becaria de la John Simon Guggenheim Memorial Foundation y desde 2001, ella es miembro del sistema nacional de creadores. Algunos de sus reconocimientos incluyen: primer premio. "Mujeres creadoras de la imagen", Bienal de Guadalajara; "Proyectos Especiales". Consejo mexicano para la cultura y las artes; "Beca de Ensayo" del Instituto nacional de bellas artes , México; mención honorífica premio Casa de las Americas, Cuba; segundo premio. " salón internacional",Asturias, España; primer premio. "Fotografía antropológica", INAH, México. 
La motivación de Vida Yovanovich al emprender este cuerpo de trabajo ha sido capturar la esencia de individuos que ella ha logrado conocer, iluminar el carácter de su humanidad. Estas imágenes reflejan una relación intensa y de confianza entre el fotógrafo y el sujeto, en la cual la cámara fotográfica se convierte en un testigo notable de un reino que a menudo ha sido exagerado, pero que aún más a menudo, ha sido ignoradoEl don del artista consiste en ampliar esa relación hacia afuera para incluir al espectador. Al hacer esto, Yovanovich nos niega la posibilidad de neutralidad. En última instancia, debemos decidir si vemos lo capturado como existente pero afuera, lejano y sin relación con nuestra experiencia, o si identificamos a algo de nosotros mismos en las figuras que encarnan a la vida en su más grande precariedad y vulnerabilidad
Jean Eugène Auguste Atget
12 febrero 1857, Libourne, Gironda (Francia)- 4 agosto 1927, París - es un fotógrafo francés.
Después de trabajar en diversos oficios como camarero o actor de provincias, se establece en París donde se convierte en fotógrafo ambulante. Para subsistir se dedica a sacar retratos de personas en plena calle; por otro lado, empieza a crear una colección de fotografías para sí mismo de la vida diaria de la ciudad a principios del siglo XX. Monumentos, parques, vendedores, prostitutas o escaparates son algunos de sus temas más recurrentes de una colección que alcanzó más de 4000 imágenes. Tras su muerte, la fotógrafa americana Berenice Abbott, asistenta de Man Ray, adquirió sus negativos. El museo de monumentos históricos de París consiguió 2000 trabajos de Adget en 1927.
Sus fotografías tienen gran fuerza de sugestión, reflejan la cotidianidad parisina, de una forma espontánea, libre de las ataduras de otros movimientos más artísticos. Al final de su vida, su figura ya era conocida entre escritores y pintores de la época. Los surrealistas lo encumbraron viendo en sus imágenes, sobre todo en las figuras reflejadas en las cristaleras, una visión natural y pura que sugiere algo fantasmal. A pesar de esa popularidad en alza murió en la miseria.
En Estados Unidos esta considerado como un maestro de la fotografía, y Francia lo vuelve a descubrir desde los años 80.
La Bibliothèque nationale de France (París) da una retrospectiva Atget desde el 27 de marzo hasta el primero de juilio del 2007.
Después de trabajar en diversos oficios como camarero o actor de provincias, se establece en París donde se convierte en fotógrafo ambulante. Para subsistir se dedica a sacar retratos de personas en plena calle; por otro lado, empieza a crear una colección de fotografías para sí mismo de la vida diaria de la ciudad a principios del siglo XX. Monumentos, parques, vendedores, prostitutas o escaparates son algunos de sus temas más recurrentes de una colección que alcanzó más de 4000 imágenes. Tras su muerte, la fotógrafa americana Berenice Abbott, asistenta de Man Ray, adquirió sus negativos. El museo de monumentos históricos de París consiguió 2000 trabajos de Adget en 1927.
Sus fotografías tienen gran fuerza de sugestión, reflejan la cotidianidad parisina, de una forma espontánea, libre de las ataduras de otros movimientos más artísticos. Al final de su vida, su figura ya era conocida entre escritores y pintores de la época. Los surrealistas lo encumbraron viendo en sus imágenes, sobre todo en las figuras reflejadas en las cristaleras, una visión natural y pura que sugiere algo fantasmal. A pesar de esa popularidad en alza murió en la miseria.
En Estados Unidos esta considerado como un maestro de la fotografía, y Francia lo vuelve a descubrir desde los años 80.
La Bibliothèque nationale de France (París) da una retrospectiva Atget desde el 27 de marzo hasta el primero de juilio del 2007.
José Nicéforo Nièpce
José Nicéforo Nièpce el modesto inventor de diversos procedimientos que llevaron a la fotografía y que no logró disfrutar del reconocimiento y de los beneficios de su ingenio.El invento fue perfeccionado por Luis J. Mandé Daguerre (1791-1851) quien. después de múltiples solicitudes para descubrir la "inexplicable" técnica logró un acercamiento que culminó en la formación de una sociedad con Nièpce en 1829. Luego de la muerte de Nicéforo, la empresa continuó con su hijo a quien convenció finalmente para disfrutar solo de los logros obtenidos. Así pudo consagrarse como el padre del primer método eficaz para la fijación de imágenes.
La fotografía nació oficialmente el 19 de agosto de 1839, en la Academia de Ciencias de París, con un dramático anuncio del diputado liberal Francisco Arago, que exaltaba la grandeza y generosidad de la nación francesa que adquirió los derechos del invento: "Francia ha adoptado este descubrimiento y se enorgullece de poder donarlo generosamente al mundo entero".
Richard Avedon
Richard Avedon (Nueva York, 15 de mayo de 1923 — San Antonio, Texas, 1 de octubre de 2004) fue un fotógrafo estadounidense.Reputado fotógrafo de moda y gran retratista comenzó su carrera profesional en los años cincuenta realizando espléndidos trabajos de moda para la revista Harper's Bazaar, donde acabó convirtiéndose en Jefe de Fotografía. Posteriormente, habría de colaborar igualmente con otras revistas como Vogue, Life y Look. Sin duda alguna, fue el gran fotógrafo de la moda durante los años sesenta y setenta. En sus trabajos consiguió elevar la fotografía de moda al rango de lo artístico, al conseguir acabar con el mito de que los modelos debían proyectar indiferencia o sumisión. Por el contrario, en sus fotografías los modelos eran personajes libres y creativos en sus gestos dentro de escenarios dinámicos y bajo esquemas compositivos previamente decididos.
En los años sesenta Avedon se reveló como un artista comprometido con las inquietudes sociales de su tiempo. Durante el año de 1963 fotografió el Movimiento por los Derechos Civiles en el Sur de los Estados Unidos, colaborando en los siguientes años con James Baldwin en el libro “Nothing Personal”. A finales de los sesenta y principios de los setenta, Avedon realizó reportajes sobre líderes militares y víctimas en la guerra de Vietnam y manifestaciones anti-guerra en los Estados Unidos para el New York Times. En la Navidad de 1989-1990 marchó a Berlín para documentar una ciudad dividida en dos mundos diferentes la noche en que caía el muro.
Sus retratos, aparentemente sencillos pero profundamente psicológicos, de personalidades famosas y desconocidas posando frente a un inmaculado fondo blanco, muestran a un cuidadoso fotógrafo capaz de plasmar en papel fotográfico rasgos inesperados de los rostros de personajes de la envergadura de Truman Capote, Henry Miller, Humphrey Bogart o Marilyn Monroe, entre muchos otros. Su método era sencillo pero efectivo, la derrota anímica del contrario fotografiado a través de largas y cansadas sesiones de hasta cuatro horas. Así desnudo, el retratado e indefenso era capaz de mostrar su personalidad más sincera.
En el año 1979 comenzó el que habría de convertirse en uno de sus trabajos más importantes. Por encargo del Museo Amon Carter, de Fort Worth (Texas), Avedon dedicó cinco años a recorrer el Oeste de los Estados Unidos para documentar a las personas que nunca escribirían la historia de su país. En esta obra, titulada In the American West, nos presenta a granjeros, mineros, vagabundos, prostitutas, amas de casa, presos, vaqueros de rodeo o empleados de pequeñas oficinas, etc.; en fotografías de gran formato tomadas con luz de día, al aire libre y como siempre, ante un fondo blanco. Nada hay en ellos del sueño americano o de la tierra prometida, pero son retratos de individuos que han sido observados y artísticamente elevados por la cámara de Avedon mediante una composición sobria, logrando así una considerable fuerza expresiva.
Al término del proyecto, Avedon había recorrido un total de 189 poblaciones en 17 estados; había fotografiado a 752 personas utilizando alrededor de 17,000 placas de película. De ésta colección, escogió 123 retratos que conformarían la serie In The American West 1979 – 1984
Además del gran formato utilizado para sus fotografías de moda o retratos, desarrolló una obra en paralelo, utilizando el paso universal, que refleja sus vivencias más personales, como viajes o recuerdos familiares.
Algo muy profundo subyace a lo largo de toda la obra de Avedon y, sin embargo, no siempre se ha acertado a concretar en los trabajos realizados en torno a su figura. Es una preocupación sincera, pero a veces elegantemente obsesiva. El tiempo, la vejez y sus tensiones, resulta ser el motivo fundamental en la obra de Avedon. Vemos en su arte cómo nos habla directamente del paso del tiempo y su influencia en el ser humano, y, cómo no, del camino hacia la muerte. Son esos retratos descontextualizados que aparecen ante la cámara sin maquillaje, fatigados o tristes, tal y como se encontraban en ese momento, los que claramente denotan esta inquietud. El final de su libro Portraits (1976), por ejemplo, culmina de forma tremenda pero magistralmente tratada con una serie de siete fotografías de su padre envejeciendo gradualmente hasta que parece haberse integrado en la luz que le rodea.
El 25 de septiembre de 2004 Avedon sufrió una hemorragia cerebral en San Antonio Texas, mientras se encontraba en una sesión fotográfica para un proyecto encargado por The New Yorker, el cual se titulaba On Democracy, y se enfocaba en el proceso electoral del 2004 en los Estados Unidos; se trataba de retratos de candidatos, delegados de las convenciones nacionales, entre otros involucrados en el tema. Murió en la misma ciudad el 1º de octubre de ese año a consecuencia de las complicaciones médicas.
En los años sesenta Avedon se reveló como un artista comprometido con las inquietudes sociales de su tiempo. Durante el año de 1963 fotografió el Movimiento por los Derechos Civiles en el Sur de los Estados Unidos, colaborando en los siguientes años con James Baldwin en el libro “Nothing Personal”. A finales de los sesenta y principios de los setenta, Avedon realizó reportajes sobre líderes militares y víctimas en la guerra de Vietnam y manifestaciones anti-guerra en los Estados Unidos para el New York Times. En la Navidad de 1989-1990 marchó a Berlín para documentar una ciudad dividida en dos mundos diferentes la noche en que caía el muro.
Sus retratos, aparentemente sencillos pero profundamente psicológicos, de personalidades famosas y desconocidas posando frente a un inmaculado fondo blanco, muestran a un cuidadoso fotógrafo capaz de plasmar en papel fotográfico rasgos inesperados de los rostros de personajes de la envergadura de Truman Capote, Henry Miller, Humphrey Bogart o Marilyn Monroe, entre muchos otros. Su método era sencillo pero efectivo, la derrota anímica del contrario fotografiado a través de largas y cansadas sesiones de hasta cuatro horas. Así desnudo, el retratado e indefenso era capaz de mostrar su personalidad más sincera.
En el año 1979 comenzó el que habría de convertirse en uno de sus trabajos más importantes. Por encargo del Museo Amon Carter, de Fort Worth (Texas), Avedon dedicó cinco años a recorrer el Oeste de los Estados Unidos para documentar a las personas que nunca escribirían la historia de su país. En esta obra, titulada In the American West, nos presenta a granjeros, mineros, vagabundos, prostitutas, amas de casa, presos, vaqueros de rodeo o empleados de pequeñas oficinas, etc.; en fotografías de gran formato tomadas con luz de día, al aire libre y como siempre, ante un fondo blanco. Nada hay en ellos del sueño americano o de la tierra prometida, pero son retratos de individuos que han sido observados y artísticamente elevados por la cámara de Avedon mediante una composición sobria, logrando así una considerable fuerza expresiva.
Al término del proyecto, Avedon había recorrido un total de 189 poblaciones en 17 estados; había fotografiado a 752 personas utilizando alrededor de 17,000 placas de película. De ésta colección, escogió 123 retratos que conformarían la serie In The American West 1979 – 1984
Además del gran formato utilizado para sus fotografías de moda o retratos, desarrolló una obra en paralelo, utilizando el paso universal, que refleja sus vivencias más personales, como viajes o recuerdos familiares.
Algo muy profundo subyace a lo largo de toda la obra de Avedon y, sin embargo, no siempre se ha acertado a concretar en los trabajos realizados en torno a su figura. Es una preocupación sincera, pero a veces elegantemente obsesiva. El tiempo, la vejez y sus tensiones, resulta ser el motivo fundamental en la obra de Avedon. Vemos en su arte cómo nos habla directamente del paso del tiempo y su influencia en el ser humano, y, cómo no, del camino hacia la muerte. Son esos retratos descontextualizados que aparecen ante la cámara sin maquillaje, fatigados o tristes, tal y como se encontraban en ese momento, los que claramente denotan esta inquietud. El final de su libro Portraits (1976), por ejemplo, culmina de forma tremenda pero magistralmente tratada con una serie de siete fotografías de su padre envejeciendo gradualmente hasta que parece haberse integrado en la luz que le rodea.
El 25 de septiembre de 2004 Avedon sufrió una hemorragia cerebral en San Antonio Texas, mientras se encontraba en una sesión fotográfica para un proyecto encargado por The New Yorker, el cual se titulaba On Democracy, y se enfocaba en el proceso electoral del 2004 en los Estados Unidos; se trataba de retratos de candidatos, delegados de las convenciones nacionales, entre otros involucrados en el tema. Murió en la misma ciudad el 1º de octubre de ese año a consecuencia de las complicaciones médicas.
8 de diciembre de 2008
Carlos Jurado (El arte de la aprehensión de las imágenes y el unicornio)
La definición que del Unicornio hacen diccionarios y enciclopedias es, más o menos, ésta:
"Unicornio. Fr. Unicorne; it., Unicornio; i., Unicorn; a., Einhorn. Nashorn (del L. Unicornis).m. Animal fabuloso de figura de caballo y con un cuerno recto en medio de la frente. Rinoceronte-Marfil fósil de mastodonte, que creyeron los antiguos proceden del Unicornio-Marino. Narval."
En el año de 1913, se celebró en Budapest un Congreso Internacional de Zoólogos. El representante de Rumania, Dr. Roman Landescu, fue entrevistado acerca del Unicornio por Jonas Spaulding, corresponsal de la revista norteamericana Golden Bird. Por considerar dicha entrevista muy ilustrativa, transcribimos a continuación su texto completo:
"Unicornio. Fr. Unicorne; it., Unicornio; i., Unicorn; a., Einhorn. Nashorn (del L. Unicornis).m. Animal fabuloso de figura de caballo y con un cuerno recto en medio de la frente. Rinoceronte-Marfil fósil de mastodonte, que creyeron los antiguos proceden del Unicornio-Marino. Narval."
En el año de 1913, se celebró en Budapest un Congreso Internacional de Zoólogos. El representante de Rumania, Dr. Roman Landescu, fue entrevistado acerca del Unicornio por Jonas Spaulding, corresponsal de la revista norteamericana Golden Bird. Por considerar dicha entrevista muy ilustrativa, transcribimos a continuación su texto completo:
S. Dr. Landescu, en su intervención de hoy, cuando Ud. hablaba de los orígenes de la ciencia zoológica y de los animales fabulosos que los primeros tratados describían, mencionó al Unicornio, ¿no es así?
L. En efecto, cuando yo hablaba del Phisiologus, que es uno de los primeros tratados de zoología que se conocen, lo mencioné entre uno de los animales fantásticos que describe.S. Dr. Landescu, yo tengo la impresión de que cuando usted hablaba de los dragones voladores, de las sirenas, etc., mencionó al Unicornio de una manera distinta. Es decir, se refirió a él en un tono que hizo pensar a la concurrencia que este animal no le parece a usted tan fantástico como los otros ejemplares descritos. Quisiera preguntarle: ¿Cree usted que los Unicornios existieron?L.Sr. Spaulding, me parece que su pregunta se aparta del carácter científico de este congreso.S. Dr. Landescu, perdone mi insistencia. Si le hago esta pregunta es por que al mencionarlo, repito, usted lo hizo en un tono muy especial. En el ánimo de todos los presentes quedó la idea de que dicho animal fue real y no fantástico.L. Bueno, en verdad, quizá empleé un tono, digamos, algo vehemente; pero no creo haber dado la impresión que usted menciona. Bueno, tal vez ...S. Dr., Usted es un científico reconocido internacionalmente. ¿Tiene miedo acaso de decir algo que no concuerde con el criterio general que se tiene en la ciencia? Yo pienso que cualquier cosa que usted plantee tendrá una base difícil de refutar. Por eso me atrevo a repetir mi pregunta: ¿Cree usted que los unicornios existieron y no son tan sólo una fábula?L. Mire Sr. Spaulding, los científicos tenemos normas muy estrictas. Hablamos solamente de cosas que podemos probar. Todo lo que es improbable queda para nosotros en el ámbito de la especulación. Sin embargo, si usted me promete que no publicará mis palabras como aseveraciones científicas, sino como el producto de una charla informal al margen de este congreso, yo le diría algunas cosas que creo sobre los Unicornios.
Mire Sr. Spaulding, los científicos tenemos normas muy estrictas. Hablamos solamente de cosas que podemos probar. Todo lo que es improbable queda para nosotros en el ámbito de la especulación. Sin embargo, si usted me promete que no publicará mis palabras como aseveraciones científicas, sino como el producto de una charla informal al margen de este congreso, yo le diría algunas cosas que creo sobre los Unicornios.S. De acuerdo Dr., queda entendido que todo lo que en adelante me diga será totalmente informal y no deberá tomarse con carácter científico.L. Gracias, Sr. Spaulding. De los Unicornios se han dicho tantas cosas que, francamente, no sé cómo empezar. Se cree que el origen de su leyenda tuvo lugar cuando los primeros viajeros occidentales contemplaron un rinoceronte y creyeron que era un caballo con cuerno. En fin, en el terreno de la pura especulación, puede hablarse mucho sobre él.S. Dr. Landescu. Dentro de lo hipotético, ¿hay alguna posibilidad de que el Unicornio haya existido?L. Bueno, existieron muchas especies animales que después se extinguieron por diferentes razones. Del mismo modo, el Unicornio pudo haber sido una realidad hace cientos, miles, o tal vez millones de años.S. De haber vivido el Unicornio, ¿En qué especie lo hubiera usted clasificado Dr. Landescu?L. Dentro de la familia de los équidos, por supuesto, y como una derivación del "Equus caballus ferus". Naturalmente, esto es una opinión de carácter informal. No lo olvide usted.S. ¿Podría hacer una descripción de él, tal y como hipotéticamente lo imagina y darnos una referencia de los sitios donde pudo haber vivido?L. Pienso en el Unicornio como un équido de tamaño medio, pescuezo largo y arqueado, crines onduladas y abundantes, pezuñas finas y en la frente un gran cuerno ligeramente curvado en el extremo superior. Respecto a los lugares donde habitó, podrían ser algunas zonas del Asia Central, África y Europa.S. Dr. ¿Pudo una especie así, desaparecer sin dejar huella? Es de suponer que por los menos vestigios del cuerno hubieran quedado.L. Sr. Spaulding, ha tocado usted un tema por demás interesante. Es común pensar que un cuerno animal está compuesto de materia dura. Esta idea es correcta cuando el cuerno es de un toro, una cabra, un venado, etc. En el caso del Unicornio el cuerno pudo no haber sido de materia ósea, sino una protuberancia cartilaginosa compuesta de materia orgánica. Por lo tanto, al morir el animal, dicha protuberancia desaparece por la descomposición.S. Dr. Landescu ¿De ésto podría deducirse que muchos de los restos equinos prehistóricos encontrados, pueden ser de Unicornio y no de caballo?L. Sí, esto es probable.S. Dr. Sobre su extinción, ¿podría decirnos algo? ¿A qué atribuye usted la desaparición de esta posible especie?L. Hay muchos factores que pudieran considerarse. Son tan abundantes que enumerarlos sería casi imposible. Como estamos hablando de una manera imaginaria, hipotética, voy a mencionar algunos: El primer sería el hombre. Si éste apareció cuando el Unicornio ya poblaba la tierra, es casi seguro que lo haya aniquilado por razones alimenticias o deportivas. Otro factor pudo ser un cambio de clima tan brusco que no le dio tiempo al Unicornio de adaptarse. Y otro, por el que yo inclino, es que el Unicornio haya sido un producto híbrido.S. .¿ Trata usted de decir que pudo ser el producto de la cruza de dos especies distintas?L. Efectivamente. Así como el burdégano es el resultado de la cruza de caballo con burra, el Unicornio pudo provenir de la cruza entre caballo y gacela, por ejemplo. Al extinguirse cualquiera de los dos factores principales, desaparece el tercero. En lo personal opino que, en este caso, la primera en desaparecer fue la gacela.S. ¿Por extinción?L. Por extinción o por emigración.S. Dr., entiendo que las gacelas poseen un cuerno de materia ósea, dura. ¿Cómo es posible que, siendo el Unicornio un derivado de ella, su cuerno haya sido de cartílago?L. En la naturaleza todo es posible. Es común que de padres geniales, nazcan hijos idiotas y viceversa. Así que no es raro que de un cuerno duro haya surgido uno blando.S. Dr., considero que todo lo dicho es muy interesante. Espero en otra ocasión entrevistarlo acerca de un tema más apegado a su especialidad. Quiero pedirle un último favor. En el curso de nuestra charla observé que usted, quizá distraídamente, bocetó con su pluma una silueta de Unicornio. ¿Sería tan amable de obsequiarla a mi revista, para que los lectores tuvieran una semblanza gráfica de la charla informal que hemos tenido?L. Me apena usted, Sr. Spaulding. Yo dibujo muy mal y creo que el Unicornio merecía una cosa mejor.
3 de diciembre de 2008
Lauren Greenfield
Sus fotografías suelen ocuparse de cuestiones relacionadas con la cultura juvenil, la identidad de género, la imagen corporal, trastornos de la alimentación, y la influencia de la cultura popular sobre la forma en que vivimos. In its May/June 2003 issue, she was named one of the top 25 working photographers by American Photo Magazine. En su mayo-junio de 2003 cuestión, que fue nombrado uno de los 25 fotógrafos que trabajan por la American Photo Magazine. In April 2005, American Photo Magazine also named her, along with eight other members of the VII Photo Agency , number three of the top 100 important people in photography. [ 1 ] En abril de 2005, American Photo Magazine también su nombre, junto con otros ocho miembros de la Agencia de fotos VII, número tres de las 100 personas importantes en la fotografía [1].
Greenfield graduated from Harvard in 1987 with a BA, majoring in Visual Environmental Studies. Greenfield se graduó de Harvard en 1987 con un BA, Visual especialización en Estudios Ambientales. Her Senior Thesis project on the French Aristocracy was called "Survivors of the French Revolution". Su principal proyecto de tesis sobre la Aristocracia francés se llama "sobrevivientes de la Revolución Francesa". This work helped kickstart her career as an intern for National Geographic Magazine . Esta labor ayudó a kickstart su carrera como pasante para la revista National Geographic. A subsequent grant from National Geographic helped her with her debut monograph, "Fast Forward: Growing Up in the Shadow of Hollywood" (Knopf 1997). Un posterior donación de National Geographic ayudó a su debut con su monografía, "Avance rápido: Creciendo a la sombra de Hollywood" (Knopf, 1997). Five years after the release of "Fast Forward", Greenfield produced a second tour-de-force project about the self-esteem crisis amongst American women, entitled "Girl Culture". Cinco años después de la liberación de "Fast Forward", Greenfield producido un segundo tour-de-fuerza del proyecto acerca de la autoestima de crisis entre las mujeres de América, titulado "Girl Culture".
Her work is in many major collections including the Art Institute of Chicago, Los Angeles County Museum of Art, the San Francisco Museum of Modern Art, the International Center of Photography, the Center for Creative Photography, the Museum of Fine Arts (Houston), the Harvard University Archive, the Clinton Library, and the French Ministry of Culture. Su trabajo es en muchas de las principales colecciones incluido el Instituto de Arte de Chicago, Los Angeles County Museum of Art, el San Francisco Museum of Modern Art, el Centro Internacional de Fotografía, el Center for Creative Photography, el Museo de Bellas Artes (Houston), el Archivo de la Universidad de Harvard, la Biblioteca de Clinton, y el Ministerio francés de Cultura. She is represented by the Pace/MacGill Gallery in New York and the Fahey/Klein Gallery in Los Angeles . Está representada por el Pace / MacGill Gallery de Nueva York y la Fahey / Klein Gallery de Los Angeles.
Ms. Greenfield has also directed a feature-length documentary for HBO entitled Thin , and has published an accompanying book with the same title. Sra Greenfield también ha dirigido un largometraje documental de HBO titulado delgada, y ha publicado un libro de acompañamiento con el mismo título. This feature documentary film was selected for the Competition at the Sundance Film Festival in 2006. Esta característica película documental fue seleccionado para la competencia en el Festival de Cine de Sundance en 2006. In September 2006, Greenfield received the prestigious Grierson Award for director of the best feature-length documentary at the London Film Festival 2006. En septiembre de 2006, Greenfield recibió el prestigioso Premio Grierson director de la mejor largometraje documental en el Festival de Cine de Londres de 2006. This film also picked up the Grand Jury Prize at the Independent Film Festival of Boston, the Newport International Film Festival, and the Jackson Hole Film Festival. Esta película también recogió el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cine Independiente de Boston, la Newport Festival Internacional de Cine, y el Jackson Hole Film Festival. She also received an 2007 EMMY nomination for Best Director of Non-Fiction programming for the film, "Thin". [ 2 ] Ella también recibió una nominación EMMY 2007 al Mejor Director de la No-Ficción de programación para la película, "Thin" [2].
Greenfield's follow-up short film, "kids + money", won the Audience Award for Best Short Film at the AFI Film Festival 2007, the Michael Moore Award for Best Documentary Film at the 2008 Ann Arbor Film Festival, the Gold Plaque, Documentary:Social/Political from The Hugo Television Awards 2008, and Best Documentary Short at Kids First Film Festival 2008. Greenfield de seguimiento de cortometraje, "Niños + dinero", ganó el Premio del Público al Mejor Cortometraje en el Festival de Cine AFI 2007, el Michael Moore Premio a la Mejor Película Documental de 2008 en Ann Arbor Film Festival, la Placa de Oro, Documental: Social / Políticos de la Televisión Premios Hugo 2008, y Mejor Cortometraje Documental en primer lugar los niños Festival de Cine de 2008. "kids + money" was also selected into the Official Shorts Program at the Sundance Film Festival (January 2008). "Niños + dinero" también fue seleccionado en el Programa Oficial de cortometrajes en el Festival de Cine de Sundance (enero de 2008). The 32 minute film includes interviews with Los Angeles teenagers on the subject of money and how it affects their lives. HBO plans to broadcast "kids + money" starting from November 28th, 2008. La película de 32 minutos incluye entrevistas con los adolescentes de Los Angeles sobre el tema del dinero y cómo afecta a sus vidas. HBO planes de emisión "niños + dinero" a partir del 28 de noviembre de 2008
Greenfield graduated from Harvard in 1987 with a BA, majoring in Visual Environmental Studies. Greenfield se graduó de Harvard en 1987 con un BA, Visual especialización en Estudios Ambientales. Her Senior Thesis project on the French Aristocracy was called "Survivors of the French Revolution". Su principal proyecto de tesis sobre la Aristocracia francés se llama "sobrevivientes de la Revolución Francesa". This work helped kickstart her career as an intern for National Geographic Magazine . Esta labor ayudó a kickstart su carrera como pasante para la revista National Geographic. A subsequent grant from National Geographic helped her with her debut monograph, "Fast Forward: Growing Up in the Shadow of Hollywood" (Knopf 1997). Un posterior donación de National Geographic ayudó a su debut con su monografía, "Avance rápido: Creciendo a la sombra de Hollywood" (Knopf, 1997). Five years after the release of "Fast Forward", Greenfield produced a second tour-de-force project about the self-esteem crisis amongst American women, entitled "Girl Culture". Cinco años después de la liberación de "Fast Forward", Greenfield producido un segundo tour-de-fuerza del proyecto acerca de la autoestima de crisis entre las mujeres de América, titulado "Girl Culture".
Her work is in many major collections including the Art Institute of Chicago, Los Angeles County Museum of Art, the San Francisco Museum of Modern Art, the International Center of Photography, the Center for Creative Photography, the Museum of Fine Arts (Houston), the Harvard University Archive, the Clinton Library, and the French Ministry of Culture. Su trabajo es en muchas de las principales colecciones incluido el Instituto de Arte de Chicago, Los Angeles County Museum of Art, el San Francisco Museum of Modern Art, el Centro Internacional de Fotografía, el Center for Creative Photography, el Museo de Bellas Artes (Houston), el Archivo de la Universidad de Harvard, la Biblioteca de Clinton, y el Ministerio francés de Cultura. She is represented by the Pace/MacGill Gallery in New York and the Fahey/Klein Gallery in Los Angeles . Está representada por el Pace / MacGill Gallery de Nueva York y la Fahey / Klein Gallery de Los Angeles.
Ms. Greenfield has also directed a feature-length documentary for HBO entitled Thin , and has published an accompanying book with the same title. Sra Greenfield también ha dirigido un largometraje documental de HBO titulado delgada, y ha publicado un libro de acompañamiento con el mismo título. This feature documentary film was selected for the Competition at the Sundance Film Festival in 2006. Esta característica película documental fue seleccionado para la competencia en el Festival de Cine de Sundance en 2006. In September 2006, Greenfield received the prestigious Grierson Award for director of the best feature-length documentary at the London Film Festival 2006. En septiembre de 2006, Greenfield recibió el prestigioso Premio Grierson director de la mejor largometraje documental en el Festival de Cine de Londres de 2006. This film also picked up the Grand Jury Prize at the Independent Film Festival of Boston, the Newport International Film Festival, and the Jackson Hole Film Festival. Esta película también recogió el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cine Independiente de Boston, la Newport Festival Internacional de Cine, y el Jackson Hole Film Festival. She also received an 2007 EMMY nomination for Best Director of Non-Fiction programming for the film, "Thin". [ 2 ] Ella también recibió una nominación EMMY 2007 al Mejor Director de la No-Ficción de programación para la película, "Thin" [2].
Greenfield's follow-up short film, "kids + money", won the Audience Award for Best Short Film at the AFI Film Festival 2007, the Michael Moore Award for Best Documentary Film at the 2008 Ann Arbor Film Festival, the Gold Plaque, Documentary:Social/Political from The Hugo Television Awards 2008, and Best Documentary Short at Kids First Film Festival 2008. Greenfield de seguimiento de cortometraje, "Niños + dinero", ganó el Premio del Público al Mejor Cortometraje en el Festival de Cine AFI 2007, el Michael Moore Premio a la Mejor Película Documental de 2008 en Ann Arbor Film Festival, la Placa de Oro, Documental: Social / Políticos de la Televisión Premios Hugo 2008, y Mejor Cortometraje Documental en primer lugar los niños Festival de Cine de 2008. "kids + money" was also selected into the Official Shorts Program at the Sundance Film Festival (January 2008). "Niños + dinero" también fue seleccionado en el Programa Oficial de cortometrajes en el Festival de Cine de Sundance (enero de 2008). The 32 minute film includes interviews with Los Angeles teenagers on the subject of money and how it affects their lives. HBO plans to broadcast "kids + money" starting from November 28th, 2008. La película de 32 minutos incluye entrevistas con los adolescentes de Los Angeles sobre el tema del dinero y cómo afecta a sus vidas. HBO planes de emisión "niños + dinero" a partir del 28 de noviembre de 2008
Manuel Álvarez Bravo
Manuel Álvarez Bravo, Fotógrafo mexicano, (1902 - 2002) cinefotógrafo. Trabajó al lado del cineasta ruso Sergei Eisenstein.
Nació en Ciudad de México el 4 de febrero de 1902. Reconocido por plasmar el paisaje y la gente de su país con maestría y originalidad.
Su padre fue un profesor, que de vez en cuando se dedicaba a la fotografía y a la pintura. Álvarez Bravo, antes de dedicarse a la fotografía fue burócrata en varias dependencias, intentó estudiar contaduría, pero en 1915 inició su camino hacia en el quehacer artístico y se inscribió en la Academia de San Carlos para estudiar arte y música.
Su padre fue un profesor, que de vez en cuando se dedicaba a la fotografía y a la pintura. Álvarez Bravo, antes de dedicarse a la fotografía fue burócrata en varias dependencias, intentó estudiar contaduría, pero en 1915 inició su camino hacia en el quehacer artístico y se inscribió en la Academia de San Carlos para estudiar arte y música.
En 1930 Tina Modotti fue expulsada de México por sus afiliaciones comunistas, y le heredó a Álvarez Bravo su trabajo en la revista Mexican Folkways fotografiando a los muralistas de la época.
Ese mismo año se volcó por completo a la tarea fotográfica y en 1932 realizó su primera muestra individual en la Galería Posada. En esa época compartió exposiciones con el famoso fotógrafo francés Henri Cartier-Bresson en las salas del Palacio de Bellas Artes, fascinando a André Bretón, quien descubrió en su trabajo un surrealismo innato.
La amistad con Bretón fructificó en la portada del libro "Catálogo de la exposición Surrealista Internacional" (1939) con textos de Bretón y en 1935? una exposición en París que sería trascendental en su trayectoria artística.
En 1936 expuso en la Galería Hipocampo del poeta mexicano Xavier Villaurrutia. Durante este periodo se adentró en la experiencia de nuevas soluciones que lo apartaron por completo del lenguaje visual desarrollado por los artistas de la lente que lo antecedieron, empleando elementos que dan mayor énfasis a la capacidad para evocar imágenes, a través de los sugestivos títulos de sus fotografías, basadas en la cultura y en la tradición mexicanas, que denotan una gran perspicacia y, en ocasiones, un fino sentido del humor.
La década de los cuarenta, marcó el inicio de Álvarez Bravo en el mundo del cine con !Que Viva México! (Eisenstein, 1930), y participó en rodajes con personalidades como John Ford y Luis Buñuel. Asimismo, en 1944, fue realizador del largometraje Tehuantepec, y de los cortometrajes Los tigres de Coyoacán, La vida cotidiana de los perros, ¿Cuánta será la oscuridad? (con el escritor José Revueltas) y El obrero (con el también escritor Juan de la Cabada). Es en esta década cuando consolida su madurez artística (que aún perdura), mediante recursos tales como la yuxtaposición, el aislamiento de detalles y el ordenamiento con rigor geométrico. Ello dio como resultado el manejo simultáneo de lo familiar y lo inesperado, generando una ambigüedad que invita al espectador a ver con nuevos ojos las cosas cotidianas y a construir su propio significado.
Durante una larga trayectoria nacional e internacional, Álvarez Bravo acumuló experiencias, premios, reconocimientos, exposiciones, incluso gran parte de su labor ha consistido en reunir y dar a conocer importantes colecciones fotográficas, así como la creación del Primer Museo de la Fotografía en México. Dentro de sus premios destacan los siguientes: Premio Nacional de las Artes (México, 1975), Condecoración oficial de la Ordre des Arts et Lettres Français, en 1981, Premio Víctor Hasselblad (Suecia, 1984) y el Master of Photography del ICP (Nueva York, E.U.A, 1987).
Falleció el 19 de octubre de 2002 a la edad de 100 años
Ese mismo año se volcó por completo a la tarea fotográfica y en 1932 realizó su primera muestra individual en la Galería Posada. En esa época compartió exposiciones con el famoso fotógrafo francés Henri Cartier-Bresson en las salas del Palacio de Bellas Artes, fascinando a André Bretón, quien descubrió en su trabajo un surrealismo innato.
La amistad con Bretón fructificó en la portada del libro "Catálogo de la exposición Surrealista Internacional" (1939) con textos de Bretón y en 1935? una exposición en París que sería trascendental en su trayectoria artística.
En 1936 expuso en la Galería Hipocampo del poeta mexicano Xavier Villaurrutia. Durante este periodo se adentró en la experiencia de nuevas soluciones que lo apartaron por completo del lenguaje visual desarrollado por los artistas de la lente que lo antecedieron, empleando elementos que dan mayor énfasis a la capacidad para evocar imágenes, a través de los sugestivos títulos de sus fotografías, basadas en la cultura y en la tradición mexicanas, que denotan una gran perspicacia y, en ocasiones, un fino sentido del humor.
La década de los cuarenta, marcó el inicio de Álvarez Bravo en el mundo del cine con !Que Viva México! (Eisenstein, 1930), y participó en rodajes con personalidades como John Ford y Luis Buñuel. Asimismo, en 1944, fue realizador del largometraje Tehuantepec, y de los cortometrajes Los tigres de Coyoacán, La vida cotidiana de los perros, ¿Cuánta será la oscuridad? (con el escritor José Revueltas) y El obrero (con el también escritor Juan de la Cabada). Es en esta década cuando consolida su madurez artística (que aún perdura), mediante recursos tales como la yuxtaposición, el aislamiento de detalles y el ordenamiento con rigor geométrico. Ello dio como resultado el manejo simultáneo de lo familiar y lo inesperado, generando una ambigüedad que invita al espectador a ver con nuevos ojos las cosas cotidianas y a construir su propio significado.
Durante una larga trayectoria nacional e internacional, Álvarez Bravo acumuló experiencias, premios, reconocimientos, exposiciones, incluso gran parte de su labor ha consistido en reunir y dar a conocer importantes colecciones fotográficas, así como la creación del Primer Museo de la Fotografía en México. Dentro de sus premios destacan los siguientes: Premio Nacional de las Artes (México, 1975), Condecoración oficial de la Ordre des Arts et Lettres Français, en 1981, Premio Víctor Hasselblad (Suecia, 1984) y el Master of Photography del ICP (Nueva York, E.U.A, 1987).
Falleció el 19 de octubre de 2002 a la edad de 100 años
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